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音乐的要素 第二部分

  • 发布时间:2023-06-05 13:39:33

原文作者:Judith Bingham & Richard Davis

中文翻译:Codex


音高、节拍、音色、轮廓和表现是所有音乐的核心。它们也是构成我们评分标准的基础。在探讨这些要素的系列文章的第二部分,作曲家 Judith Bingham 和长笛演奏家兼指挥家 Richard Davis 与大家分享他们对节拍和音色的看法。

 

 

节拍:节拍与音乐的更广泛的关系

 

音乐是以节拍为边界和篱笆的美丽花园。音乐离不开节拍——二者不可分离。

 

 

作曲家

 

首先,一首乐曲代表着作曲家生命中特定的一个时期,就像日记。这个时期可能是一周,更可能是一个月、几个月,甚至数年。在这个时期,作曲家可能会经历一些大事,就像每个人的生命中一样——痛失亲友、疾病、婚嫁、孩子出世、战争、流放、囚禁等等。或者只是作曲家与一连串白纸的日常关系,不时穿插着用餐、散步、争论或睡眠。

 

无论是哪种情况,音乐都以某种方式记录着时间的发展,在99.9%的情况下,是将谱写一段乐曲的时间浓缩到乐曲的一个片段。一首5分钟的乐曲可能需要两个月的时间来创作。一个复杂的多声部小节可能要花一个小时才写就。每个音符都要斟酌——它的含义、它的演奏方式、它的力度——而在演奏时它转瞬即逝。

 


听众

 

同样,作曲家和他们的音乐也在听众的生命中占据着空间,如同听众的一篇日记。在这里,时间具有弹性。一首长长的乐曲可能如白驹过隙,或者一首简短的乐曲似乎无休无止。短小的乐曲可能改变一个生命。奥兰多·吉本斯(Orlando Gibbons)的《银色的天鹅》在我的录音中只有1分13秒,但是音乐的静寂、悲伤和强烈的真实感以现实生活中极为少见的方式让人去体验其中的每一秒。在这首乐曲中,每一秒似乎都被拉长,每一秒里都有广阔的空间让人思绪万千。

 

 


节拍和速度

 

一位作曲家首先要作出的决定之一是拍子记号。这似乎是很简单的决定。乐曲是三拍子还是四拍子,是6/8拍那样的舞曲节奏还是2/4拍的进行曲?而所有的拍子记号通常要做的是明确规定一个节拍,就像心跳一样。

 

有些乐曲执着于节拍——比如莫扎特的C大调钢琴奏鸣曲(K. 545),乐曲中没有切分音,而且在遵照速度上经常有着孩子气的执拗。不过,这首乐曲是为初学者而作,莫扎特可能是故意写这样一首要求严格按照节拍演奏的乐曲以达到其效果!

 

许多乐曲一开始就在拍子的框架下有着节拍的张弛。最优秀的演奏家和指挥家懂得如何不严格遵守节拍而赋予其意义。这在著名乐曲中是稳重感和灵敏度的问题,而在新乐曲中确定恰当的速度可能会很困难。

 

对于作曲家而言,以音乐记谱法来传递节拍处理的微妙是一个没有止境的挑战。甚至标记一个演奏速度都可能导致问题,因为在你的起居室里似乎是正确的速度标记,在像大教堂这样的大空间里可能就是错的。许多指挥,他们一般是充满活力的个体,会受到自己的心跳和生理代谢的影响。他们可能把音乐演奏得更快,而自己都没有察觉。


 

乐曲的生命

 

需要共鸣和思考来感受音乐内在的代谢。这通常要求长时间的推移和反复地表演。如果顺利,通过这样的反复表演,乐曲本身在前进,而作曲家和演奏者则停留在过去。

 

每一次表演都会将乐曲更新,为其增添某种人类经验的印记。乐曲不会保持不变,它就是像有生命一样。当年岁增长,它可能获得或失去人们的青睐,可能以全然不同的乐器演奏,可能被遗忘在图书馆或阁楼,也可能被音乐历史学家和学生仔细研究。

 

音乐在时间长河中的流传,就像太空船在前往未知星球的漫长旅途之中,它承载着永远不为其创作者所知的为人们带来的人类意义。

 


Judith Bingham以其诸多合唱作品而闻名。她的创作还包括为管弦乐团、铜管乐队、各种室内乐团体和独奏乐器谱写的作品。她为世界各地的教堂和大教堂创作合唱和管风琴音乐,其中最新作品是为理查德三世重葬而作的赞美歌。

 

 

音色:音色的重要性以及创造优美的声音

 

即便你有着最自然的乐句或惊艳的技巧,如果你的声音没有吸引力,那么还是不够的。声音的美,从不同角度来讲,都是在任何一位音乐家的演奏中首先被欣赏的。将音色视作你的音乐商店的橱窗——你向公众展示自己的方式。如果你的音色优美,则听众更容易被你的表演吸引。

 

 

声音的实验

 

美的问题在于其主观性——经常被风格和文化所支配。同时,让我们听到我们真正演奏出的声音也是一种困难。因此,对于学生而言,有人能够定期聆听他们的演奏极为重要,因为他们在实验创造自己独特的音色。

 

老师需要向学生描述对他们的音色的感受。有时可能学生喜欢自己的音色,而老师不!其他一些时候可能老师和学生都喜欢音质,但老师可能表示声音的表现力和共鸣还不够。

 

如果学生在老师的指导下继续实验,他们将开始懂得如何重现不同的优美音色。一旦达到这一程度,学生们就有了可以绘制音乐图画的调色板。

 

然而,如果音符不准,所有这些美都将是虚幻的,没有意义的。音准和美必须被视为是同步一体的。每个音的谐波结构必须与其自身相符(共鸣),还要与其相邻的音符相符。这样,只有这样,奏响的音符才会优美而富有表现力。


 

 

练习方法

 

让学生专门单独练习音色,即使每天只练几分钟,也会卓有成效。他们首先应重现前一天的音色,然后努力去改进。

 

鼓励学生把音色练习当作把一台“显微镜”放在他们的声音上。学生需要问:这是我唱出过的最优美的声音吗?如果不是,那么重试。当他们做完练习中的音色部分,他们就不应该再忽视自己声音的美。技巧练习——练习曲、音阶、琶音——也应做音色练习。

 

作为音乐家,我们不断学习,我们也必须不断练习我们的音色。我们作为音乐家使用的肌肉不是天然形成的。我们不是生来就有高度灵巧的手指,或极具肌肉力量的嘴唇,或灵巧敏捷的运弓手臂。这些都需要时间去磨练,如果每天我们不演奏,我们的肌肉就会开始回到自然状态。

 

一个运动员不会在不经数月训练的情况下梦想参加竞技性比赛。同样,音乐家也必须考虑一个类似的常规来进行有规律的练习,内容涵盖音乐演奏和演唱的所有方面——其中包括音色。

 

 

Richard Davis是一位指挥家、长笛演奏家以及《Becoming an Orchestral Musician: a Guide for Aspiring Professionals》的作者。他是皇家北方音乐学院(RNCM)的高级长笛导师,英国国家青年交响乐团艺术指导。


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